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以其生命中的"光"為核心策展

1880~1885 啟蒙之光 ，受荷蘭古典大師風格的影響，作品以寫實灰暗色調為主， 吃馬鈴薯的人是經典畫作

1886-1888 自然之光， 移居巴黎的梵谷受到大都市豐富多彩生活的刺激，創作風格在顏色與筆法都有了極大的轉變，選以高彩度的顏料展現光線帶來的感動，代表作夜晚露天咖啡座

1889-1890 心靈之光   前往亞爾後，風格逐漸成熟，代表作 約瑟夫。魯林肖像畫， 盧林是亞爾的郵差，因梵谷頻繁的與弟弟西奧魚雁往返，而跟郵差盧林成了不錯的朋友，梵谷為盧林一家人創作不少肖像畫

下面各時期各介紹幾幅印象深刻的作品，文字介紹截自富邦美術館導覽

啟蒙之光

1880年梵谷27歲，歷經不同工作與人生角色轉換，開啟對藝術創作的學習之路，1876年曾寫道：一旦站上佈導講壇，我就像穿越地底鬱暗隧道，來到溫暖明亮的陽光中。光對他而言，具有神聖的象徵意義，以學院派與人像研究方法刻劃勞動階層，源自於他人道主義精神，是蘊含聖性的啟蒙之光。

有草帽的靜物   Still Life with Straw Hat

 梵谷的表姊夫安東．莫夫，是海牙畫派的領袖之一，他讓梵谷大量練習靜物寫生。此作品中專注於練習色彩和不同物品的質感，像是僵硬磨損的草帽、透明的玻璃瓶、陶瓷製的煙斗、有柳編把手的陶壺和一塊白布。他先用炭筆勾勒物體的輪廓，畫中幾處還能看到透出的底稿；畫紙上有一層淺色塗料，呈現顆粒狀結構。梵谷在顏料使用方面很節制，只在亮部和淺色部分用了較多顏料。此幅畫作是梵谷的第二幅油畫，他在給弟弟西奧的信中，提到了這段探索物品質感的練習經歷，讓他的創作再次煥發新意。

麥束      Sheaves of Wheat

收割的季節，前景是剛收割過的小麥短莖，背景是茂密的麥田，深處銜接著森林邊緣，天空明亮開闊，麥捆直接置於畫面中央，相對於梵谷其他作品中常見的整排或多排麥捆，構圖顯得獨立突出。用厚實油彩與遒勁筆觸展現前景收割過的麥田，並且用細膩筆法描繪捆成束的纖細麥穗，背景清晰呈現尚未收割的小麥。這幅作品反映了梵谷對於描繪農事勞動的熱情，後來在亞爾和聖雷米，金黃色的小麥依然是他的靈感來源。

坐在籃子上哀痛的婦人  Mourning Woman Seated on a Basket

一位埋頭掩面，手肘撐膝的婦女，傳遞出面對貧困生活的無助與壓力，她是梵谷的情人西恩。1882年，梵谷與西恩同居於海牙，梵谷甚至把西恩視為他的妻子，並且負擔西恩母子的生活費。人物掩面的憂傷形象，是梵谷在此階段所欲探索的典型表現。經歷學習，梵谷對光線和明暗的詮釋更加精準；此時他的速寫作品已逐漸擺脫傳統學院派的束縛，轉而致力於刻劃人物的內在精神，展現了他人文關懷的視角。

努南的舊塔樓 The Old Tower at Nuenen

興建於12世紀的努南教堂塔樓，在1885年6月拆除前已經殘破不堪。梵谷在塔樓被拆除的17個月前，用油畫、素描和水彩記錄下塔樓的樣貌，數量高達35件。本作是他最早完成的油畫之一，當時拆除工作尚未開始，塔尖仍然安在。在這幅畫中，梵谷用傳統風景畫的手法處理烏雲密佈的天空。幾年後，他才形成自己獨特的天空表現手法。其中，被圍牆包圍的墓園，與暗色的、木製的、超出牆頂的十字架，是引人哀思的細節，梵谷住在海牙時就對這座墓園十分著迷。對梵谷來說，塔樓和墓園不僅是風景而已，土地上的農民如同茂盛的草花，萌芽又枯萎，生命週期亙古不變，而這片他們終生耕植的土地，正是他們的安息之所

文森。梵谷致西奧   海牙 1882/12/10 星期日

我感到內心有一股力量需要培養，一團火焰不能熄而必須煽動，雖然我不知道這會引導我到哪裡，但如果結果是陰暗的，我也不會感到驚訝。

自然之光

1886年梵谷33歲，經歷愛情的挫折與父親的逝世，搬到巴黎與弟弟西奧同住，是他創作中的關鍵階段，時常以寫生作畫，觀察自然光線的各種變化，結識了畢沙羅、秀拉、高更等藝術家，逐漸擺脫荷蘭時間較為傳統的繪畫概念，深入研究查爾斯。勃朗克與薛佛勒的光學原理與色彩理論，在浮世繪版畫影響下，逐漸發展大膽的構圖方式。35歲的梵谷離開巴黎，遷居南法城市亞爾，炙熱的光線與遼闊的田園風景，使他達到藝術創作的巓峰，宣稱那些不相信太陽的人真是不虔誠，是自然景觀逐漸結合感性詮釋的開創性寫照。

草叢  Patch of Grass

梵谷到巴黎後，接觸了印象派和日本浮世繪版畫，用色轉向明亮，技法轉而多元。也經常到阿涅勒村的河畔作畫，並在信中提到那裡的風景讓他看到了比以前更多的色彩，草叢正是他風格轉變的體現。這幅畫借鏡了席涅克的點描畫法，使用對比色彩描繪草葉和花朵，使畫面充滿生氣。他也用特寫方式表現草地，放大每根草葉和花朵，這種淺景式構圖在浮世繪中也經常出現。透過X光的檢測顯示，〈草叢〉下方隱藏著一幅戴帽女子的頭像，這是梵谷在努南時期的習作。底層的暗沉單一色調與〈草叢〉的明亮色彩形成強烈對比，顯示出梵谷創作風格的顯著變化。

日落時柳樹 Pollard Willows at Sunset

1888年2月，梵谷抵達南法亞爾，他讚美當地的光芒和色彩，尤其是黃色，成為他表達情感的主要色調。日落時柳樹是他在亞爾的代表作之一，他用明亮的黃、橙、紅和藍色，配合強烈的筆觸描繪景象。畫中柳樹後方的淺藍色橫條，可能是遠處的阿爾皮耶山脈。早期在海牙，梵谷的枯柳畫作帶有陰鬱感，但在亞爾，他的風格變得鮮明而充滿生命力。亞爾的空氣與色彩讓他聯想到日本版畫，黃藍互補色的運用展現了脫離真實視覺的情感表達。梵谷開始意識到色彩不一定要「在具體細節上真實」，而應該「透露某種情感，一種熱情奔放的性情」。亞爾時期代表了梵谷創作的巔峰，他的作品融入了信仰與藝術的形而上光輝。他曾說：「那些不相信太陽的人真是不虔誠。」對他而言，太陽象徵某種神性，這件作品充滿了對生命和自然的讚美。

煎餅磨坊  Moulin de la Galette

1886年，梵谷住在巴黎市郊的蒙馬特地區，這是巴黎邊緣五光十色的游移地帶。煎餅磨坊更是工業革命後重要的休閒聚會場所，成為許多畫家的重要題材。不同於雷諾瓦的煎餅磨坊展現了愉悅的聚會氛圍，羅特列克的煎餅磨坊的舞會描繪了夜晚舞蹈與人影交錯，梵谷的煎餅磨坊則表現出鄉村的樸實氛圍，可能是風車這項荷蘭常見建築特色喚起了他的鄉愁。用色上，他延續了海牙學畫時的古典色調，灰白的天空與紅色和赭色的建築對比鮮明，而短小奔放的筆觸，則流暢地描繪建築和人物。蒙馬特的煎餅磨坊位於他所住的勒皮克街附近，他創作了約20幅關於煎餅磨坊的畫作和素描。

餐廳內  Interior of a Restaurant

梵谷點描風格的經典之作，他巧妙融合了點描技法和他個人的風格。畫中牆面和地板使用細膩的點狀效果，而桌椅、餐具、鮮花和燈具則以長短不一的筆觸，增添層次感和動感。梵谷精心運用了互補色原理，牆面上的紅與綠、地板上的黃與灰紫、以及桌椅的紅橙與桌布的藍色，創造出對比又協調的視覺效果。在陰影處，他用漸層色彩展現深淺變化，顯示了他對光影的敏銳觀察。這幅作品展現了梵谷對當時藝術風潮的致敬和新風格的探索。他將自己的點描派作品〈阿尼埃爾公園的小徑〉和日本版畫式海報一起掛在牆上，表達了對日本藝術的興趣和對自己藝術發展的期許。而餐廳角落的高處，一頂「漂浮」的黑色帽子則增添了一絲神秘感。

聖瑪麗德拉梅一景  View of Saintes-Maries-de-la-Mer

1888年5月底，梵谷造訪了地中海沿岸的聖瑪麗德拉梅小鎮，在短短幾天內，他完成了9張素描和2幅油畫。這幅畫中展示了放射狀的薰衣草田，沿著田埂構圖，放射狀線條收束在小鎮中心的教堂。明亮且平塗的色彩，源自浮世繪，表現了南法艷陽下的風情。他曾興奮地告訴西奧，這裡的海水顏色像變幻的鯖魚，因為光線和倒影總是瞬息萬變，所以難以用單一的顏色形容。這段對話反映了他對色彩動態的細膩觀察。儘管晚期梵谷身心疲憊，南法的自然景色仍給了他心靈的慰藉，使他得以在光影的流轉中找到片刻的平靜。

野花與玫瑰靜物  Still Life with Meadow Flowers and Roses

白色雛菊、藍色紫丁香和紅色銀蓮花與深色背景形成鮮明對比。這幅畫曾一度不被認為是梵谷的作品，因為梵谷之前從未創作過大尺寸的作品且風格迥異。直到2012年，庫勒穆勒美術館與多方專家利用X光檢測，發現在表層顏料下隱藏著一對摔角手。這對摔角手的作品，是梵谷在安特衛普皇家學院習畫時進行的人體模特兒繪畫訓練。〈野花與玫瑰靜物〉用色深濃，筆法多樣，前景、花瓶和花卉以長短不一的筆觸描繪，帶有蒙蒂切利的創作風格。由於過大的畫面帶來創作上的困難，梵谷用大量花卉填補原先空泛的前景。這幅畫的鮮紅色使用，也反映了他在巴黎吸收到的藝術養分。

夜晚露天咖啡座 是鎮館之寶，當然沒有能借來展，佈景拍拍照

拍攝於1890年，梵谷在奧維居住的拉沃客棧，左邊坐著是亞瑟。古斯塔夫。拉沃，他旁邊是女兒杰曼，門前站著是女兒阿德琳和萊弗爾特家的嬰兒。

人生地圖

自畫像 Self-Portrait

梵谷一生所畫的自畫像至少有25幅，這件作品是梵谷在巴黎時期的自畫像，1887年春夏兩季，身在巴黎的他曾經立志成為肖像畫家，但由於缺乏模特兒，他只好以自己為練習對象，並創作出大量的自畫像。他認為，如果他能掌握自己頭部的色彩，他也必能畫出其他形形色色的男女肖像。在這幅1887年春天所創作的自畫像中，他展示了一位巴黎中產階級的形象。淺藍夾克、筆挺衣領和藍領巾與薑黃、土黃和橘紅的鬚髮形成鮮明對比。梵谷對如照片寫實的肖像不感興趣，他認為藝術家應該捕捉並內化對象的情緒狀態。在這幅畫中，深鎖的眉頭、憂鬱的碧綠眼眸與背景中振筆揮灑的藍綠色調相呼應，展現了他對自我內心世界的深刻表達。

購買電子票券，入場拿的紀念票券就是自畫像

有種這是羅浮宮的蒙娜麗莎之感 

心靈之光 

1889年梵谷自願住進位於聖雷米的精神病院，尋求治療長期困擾他的疾病，雖然憂傷，卻始終快樂，時常藉由臨摹德拉克洛瓦的宗教題材、與米勒的農民題材之作緩解痛苦，是其一生皆景仰神性與關懷平民的至善註腳。

播種者(仿米勒之作)  The Sower (after Millet)

梵谷非常欣賞米勒的播種者，這次臨摹並非首次。他視播種為生命成長、繁榮和收穫的象徵。與原畫相比，梵谷將播種者右手上的鳥群省略；並進行了「色彩的轉譯」，通過一層層筆法疊加出紫羅蘭和薰衣草色，暗示著清晨或夜幕；筆觸也有所不同，前景筆觸較大，遠景筆觸較小，整體呈現出規整的律動性。1890年是梵谷生命的終點，期間他臨摹了多件林布蘭和德拉克洛瓦的聖經題材作品，他雖然脫離了新教徒身份，但仍心念上帝，並充滿人道主義精神。播種者、夕陽下的播種者等作品中的農民主題，展現了他始終深切關懷底層人民的心境。

盛開的栗樹 Blossoming Chestnut Trees

1890年5月16日，梵谷離開療養院，前往巴黎附近的奧維重新振作，並且專注於農民生活和風景的寫生。他相信南方如詩如畫的鄉村風光和繽紛色彩，會讓他以全新的眼光看待一切，這件作品就是他在奧維的創作。畫面呈現藍綠色調，栗樹占據了畫面主要部分，房屋前的圍牆與陰影以藍色描繪，部分的畫面以留白處理，露出了粗糙的畫布。他用平塗法描繪樹葉主體的綠色，再用短而直的線條刻畫樹葉結構；粗厚的深藍色筆觸加深了白色尖端的輪廓。他用來回交錯的柔和筆觸繪製天空，這與銳利、稜角分明的栗樹形成反差。右側的灌木用典型的蜿蜒線條組成，質感厚重，搭配前景鬆散的藍色陰影，種種的表現都使畫作充滿對比與動感。

療養院花園裡的松樹 Pine Trees in the Garden of the Asylum

梵谷以豐富的赭色、土黃和深綠色描繪了一個花園的秋日風景，明亮的天空在遠處營造出對比。畫面兩側被截斷的樹幹框住了整個構圖，背景隱約可見圍繞療養院的外牆和一位獨行的行人。梵谷專注地呈現秋季樹冠與蜿蜒枝幹。他以垂直和斜角展現枝幹方向，並運用較長的筆觸奔放而靈動地描繪樹枝與樹葉，與畫面中的水平線形成鮮明對比。自住進聖雷米療養院以來，梵谷在這片種滿松樹和雜草的荒廢花園中汲取創作靈感，並且進行了多次寫生。

常春藤蔓生的樹幹  Tree Trunks with Ivy

1889年7月，梵谷在再次的精神崩潰前，創作了這幅作品。畫中，他用各種黃、綠、棕和藍色，搭配厚塗法和濕畫法，呈現出流暢而生動的效果。他透過短小的筆觸創造濃密植被的律動感，而黑色輪廓線則顯示出他受到高更原始主義風格的影響。梵谷經常聚焦於樹下低矮植物、森林地牀或常春藤這類題材，並稱這類主題為戀人們的永恆綠意窩，反映了他的情感憧憬，與對愛的渴望和困惑。梵谷創作時，有時會吸引療養院其他院民的關注。他曾說，這些人比亞爾的市民更為小心翼翼和有禮，讓他能靜靜地工作。晚年的梵谷逐漸放棄對外界的關注，轉而投入對內心世界的探索，將自己對自然和情感的感受轉化為充滿象徵意義的藝術表達。

無論如何，我在思考，讓我們意識到在最美好的世界中，一切皆有其最佳結果，這並非不可能

文森。梵谷致西奧    亞爾。1889年4月30日星期二

有絲柏的道路 Road with Cypress and Star 

1890年完成，醒目的絲柏樹與分立於左右的星星及新月構成了主要畫面，下方蜿蜒道路漫行的旅人

最後是美術館的介紹影片，裡面空間不大，而且不知為何影片沒聲音??

美術館由海倫娜‧庫勒穆勒於1938年設立，源自於她對現代藝術的熱愛與理想化的願景。在此之前她仰賴其父親創辦的「威廉．H．穆勒貿易公司」的資金，逐步建立起龐大的藝術收藏，包含古董家具、陶瓷和亞洲藝術，但在藝評家布萊默的指導下，她於1907年開始專注於現代藝術，在梵谷尚未廣為人知時，她於1908年開始收藏其作品，體認到梵谷藝術富含人文精神與教育意義，因此收藏約90幅梵谷的畫作及200件習作，成為今日庫勒穆勒美術館的重要核心館藏，1930年代貿易公司業務衰退，她以捐贈收藏為條件，說服政府資助建設大型美術館，因此美術館1938年於焉落成，是融合藝術、建築與自然環境的獨特空間

我在為生命和藝術的進步而奮鬥

填問券、打卡 各送一張貼紙

不同於一開館的羅丹展，這次梵谷展強烈宣傳，各大平台售票，剛開展的假日人潮，為何不管制進場人數 

上面那個是五組一入的明信片，這次沒來展的經典畫作

25幅這次展出的畫作

導覽手冊

包包

會變色的感溫拼圖 700多塊，本來想買但想想不知放那裡..

商品跟之前羅丹比起來多太多..展場出口跟一樓商品店都有販售

有興趣記得要平日去觀賞